Duo “1046” Reflection (2011)
An Mp3 version of the Internet mini-album “Reflection” by Piano and Jew’s harp duo “1046” released in 2011. Performed by Svetlana Suhanova (piano, keyboard) and Vladimir Markov jew's harp (vargan)
Track list:
1. Briskehauga (Norwegian traditional song)
2. Norway
3. Strange River
4. Nocturne
5. Reflection
6. Air Palace
7. Lullaby for the Inquisition
8. Per Spelmann (Norwegian traditional song)
download at: http://depositfiles.com/files/rqjb8h7kb
www.varganist.ru
Listen: http://duo1046.kroogi.com/content/show/1137324?locale=ru
Listen: http://www.realmusic.ru/albums/20664/
YouTube video: https://www.youtube.com/my_playlists?p=2E1F59F486226AC8
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In 2006 I've made my first solo CD just in time for the 5th International Jewsharp Festival.
Allthough out of print you can still download it at BandCamp for free. Enjoy!
Dear all,
happy to announce the release of my latest CD, recorded with my good friend Paul Lennon.
This features a wide range of ethnic instruments and a fair amount of overtone / throat singing.
You can listen to, and buy it using the links below. I'd be happy to get any feedback.
May 2011 bring you all you desire.
Best wishes,
Jonathan Cope
Sound For Health
SFH website
Sounds Orange site
Bandcamp site
Amazon
| Dear friends, In the past many of you have helped me to raise money for various charitable Tuvan causes, and now I ask for your help for a great Mongolian throat-singer in need. Some of you will recognize the name Tserendavaa. He is a well-known, major Mongolian throat-singing master from Chandman Sum, and is well-represented on such classic cds as Jargalant Altai. Besides being a singer and one of the leading sources for foreigners for decades regarding Mongolian Xoomii, he is a rarity in that he and his family are still herders. Johnna, Andrew, Jens, Hosoo and I enjoyed a session with him last summer in Chandman, and true to form he was very generous and interesting. He didn't bring it up, but we heard that his family had suffered tremendous animal losses in the terrible Dzud of last winter, and might be forced to stop herding. My friends Michael Ormiston and Candida Valentina, two leading English throat-singers and long-time students of Tserendavaa's have organized a fund-raiser to help him. You can either buy the DVD they are selling for him, or just make a donation via PayPal to ormi_khoomii at yahoo.com Tserendavaa is a major important and influential person for anyone who appreciates throat-singing, Mongolian music, and a delight for all music lovers in general. Please, do what you can to help him, just give 'til it feels good! Here's the scoop from Michael and Candida: Tserendavaa’s “Heaven’s Will” DVD Mongolian Khöömii Maestro Tserendavaa is a living tradition, he was born, lives & breathes the sounds of the legendary and real landscape of Khöömii. He is respected within his community & nationally as a performer & teacher of his 7 techniques of Khöömii and is a key source for Mongolian & European ethnomusicologists and students of Khöömii. During last winter's (2009/10) tragic Dzud, Tserendavaa and his family lost at least 1,000 livestock, leaving him with only 120 animals. This has put Tserendavaa’s existence as a true herdsman in jeopardy. He may have barely enough food to survive the tough Mongolian climate and might need to give up herding and move to live in deprivation in Khovd town or Ulaanbaatar. This unique DVD includes “Mongol Khöömii” a film made by Mongolian musicologist Badraa in the early 1980’s and was first shown on Mongolian TV. It is a real find, “Khoomii gold dust”, “Tserendavaa in concert” a live concert filmed in London 2002 with Candida Valentino and Michael Ormiston. This was an acoustic concert with no microphones and find Tserendavaa in great form. “Message from “Mongolia” is a short documentary with an interview with Tserendavaa and concert footage, plus extra footage of Tserendavaa singing in Chandman Sum, Khovd Aimag, his homeland. All the money collected except production costs will go to help Tserendavaa and his family retain their cultural heritage. To Buy the DVD or make a contribution please visit: http://www.soundtransformations.co.uk/tserendavadvd2010.htm You can send contributions of any size via PayPal to ormi_khoomii at yahoo.com Thank you, Steve |
The best I've heard in this area is Christian Zehnder, who has cleverly woven his national Swiss tradition into it. I'd like to open some discussion about this topic- any experience with overtone yodeling or fresh new ideas?
Anyway, in a yodel surfing expedition, found this completely amazing blog site 'Yodel Heaven', which has a huge amount of rare (downloadable!) mp3s from all over the world, including a bunch of overtone and throat singing tracks. (Hint) You'll find Arthur Miles there too!
http://mademoisellemontana.wordpress.com/
Nestor Kornblum son empleadas en terapias curativas y en
meditaciones siguiendo una técnica ancestral. Aqui la entrevista en Radio Euskadi
El Enlace: http://www.eitb.com/audios/detalle/466573/el-poder-curativo-voz/
Der Österreichische Maultrommelverein lädt ab sofort jeden 4. Mittwoch im Monat zum Maultrommler-Stammtisch im Café Concerto, 1160 Wien, Lerchenfelder Gürtel 53. Beginn: ab 20 Uhr. Nehmt Eure Maultrommeln mit, es wird gezupft!
Inspired by mini kukin by Ryuji Kojima (length 18mm) I made mini jew's harp (frame length 13mm)
Sound can be find at:
https://www.youtube.com/watch?v=HHAkTbLhtFY
Publicado en la Revista Ulises, Ed. Liebre de Marzo (enero 2005)
Introducción
Desde tiempos remotos, desde la propia existencia del mundo y del hombre, la música, ha estado presente. La música ha sido y será para el hombre un instrumento de socialización, un lenguaje poderoso, asociado muchas veces a la magia o a lo sobrenatural. De alguna forma da la sensación, que la música existe, por encima del hombre, que sencillamente es un lenguaje que hemos adaptado y desarrollado, porque nos ayuda a vivir, nos conecta con lo trascendente y obtenemos, información, sugestión y amor. Todo a través del aire que se desplaza, sutilmente empujado por las ondas. Gracias a nuestra atmósfera podemos oír música, gracias a nuestro planeta, podemos tener un altavoz gigante, que permite mejorar nuestras vidas, en muchísimos aspectos.
En aquellas primeras edades, en que el hombre investigaba, con suma curiosidad el mundo, la música se asoció rápidamente como un elemento de poder. Así es como la música se fue desarrollando con el tiempo, porque lejos de ser solamente un placer, la música es uno de los elementos básicos en cualquier tipo de ritualización.
Para ello son precisos instrumentos arcaicos. Instrumentos que sin ningún tipo de amplificación artificial, sumerjan al escuchante al mundo de lo trascendente y al mundo de lo mágico.
Sonidos fundamentales que nos envuelven de harmónicos poderosos, que modifican nuestra la vibración energética y la del mundo. Algunos de los instrumentos como el didjeridoo, la flauta o la voz, fueron rápidamente conocidos y desarrollados por nuestros ancestros.
Hoy un nuevo campo de instrumentos arquetípicos se abre a la evolución, para seguir mejorando su vibración. Es pues muy importante que los utilicemos y desarrollemos pues la vibración es pura, es música curativa, tan necesaria hoy, en un entorno tan lleno de basura acústica, que provoca tantas y tantas interferencias.
He aquí una lista de instrumentos arcaicos, unos milenarios incluso anteriores al hombre (como el didjeridoo) y otros tan nuevos y apetecibles que os sumergirán en un mundo de nuevas sensaciones.
Natxo Tarrés
Flauta doble
Podemos encontrar flautas dobles de distintos tipos en todo el mundo. El principio básico de este instrumento es que está compuesto por dos flautas a ser tocadas al mismo tiempo. Las podemos encontrar unidas o separadas, con multitud de escaleras y posibilidades musicales distintas, según su procedencia, origen y tradición en su uso.
Encontramos referencias del uso de la flauta doble esparcidas desde el lejano Oriente hasta Europa Central, en la Grecia helénica (foto comparsa), y también en Meso América, y en distintos países donde reside la tradición Sufi (cómo en Pakistán o Turquía), dónde se utiliza este instrumento desde tiempos remotos. Podemos diferenciar entre dos grandes grupos o concepciones distintas de estos instrumentos, según sus características técnicas como instrumento, y en cómo se utilizan:
Las Mesoamericanas y las Orientales. También cabe ser destacado el símbolo que ha representado para las distintas culturas, y un aspecto técnico añadido en la manera de interpretar en este instrumento.
Mesoamericana.
La capacidad de poder producir sonido biológico, que se le atribuye a las flautas dobles, es el principio básico de este aspecto que le añade calidad terapéutica al sonido (foto flauta antropomorfa), ya que al tocar los dos tubos de distintas longitudes, solapamos dos tonos casi iguales, pero no idénticos, produciendo batimientos en el sonido, efecto que reproduce la naturaleza, como pasa con las Ranas de Barro de Yaxchilán. Estas flautas, producidas en barro y con formas antropomorfas, y de las cuales han derivado las ocarinas, son apropiadas para ser tocadas rítmicamente, con sonidos solapados y entrecortados. En la actualidad grupos con reminiscencias étnicas la utilizan para añadir un toque de color, y efecto de la llamada de la
naturaleza, a su música.
Oriental. Una de las flautas produce una nota constante o pedal, que representa lo masculino, y la otra es melódica, tipo flauta dulce, y simboliza lo femenino. El aspecto característico del uso que añaden las tradiciones orientales en general, al tocar la flauta doble, es que esta es utilizada con la técnica de la respiración circular, hecho que permite hacerla sonar continuamente, durante tiempo ilimitado. Esto requiere un control avanzado de la técnica de la respiración circular, aspecto técnico utilizado por distintos músicos de instrumentos de viento que tocan
instrumentos como el didjeridú, la trompeta o el saxofón, dónde utilizamos distintos recursos (como la respiración diafragmática o de plexo, y circular), para utilizar la caja torácica a modo de la bolsa de aire de una gaita.
Kotamo
Podemos encontrar flautas dobles de distintos tipos en todo el mundo. El principio básico de este instrumento es que está compuesto por dos flautas a ser tocadas al mismo tiempo. Las podemos encontrar unidas o separadas, con multitud de escaleras y posibilidades musicales distintas, según su procedencia, origen y tradición en su uso.
Encontramos referencias del uso de la flauta doble esparcidas desde el lejano Oriente hasta Europa Central, en la Grecia helénica (foto comparsa), y también en Meso América, y en distintos países donde reside la tradición Sufi (cómo en Pakistán o Turquía), dónde se utiliza este instrumento desde tiempos remotos. Podemos diferenciar entre dos grandes grupos o concepciones distintas de estos instrumentos, según sus características técnicas como instrumento, y en cómo se utilizan:
Las Mesoamericanas y las Orientales. También cabe ser destacado el símbolo que ha representado para las distintas culturas, y un aspecto técnico añadido en la manera de interpretar en este instrumento.
Mesoamericana.
La capacidad de poder producir sonido biológico, que se le atribuye a las flautas dobles, es el principio básico de este aspecto que le añade calidad terapéutica al sonido (foto flauta antropomorfa), ya que al tocar los dos tubos de distintas longitudes, solapamos dos tonos casi iguales, pero no idénticos, produciendo batimientos en el sonido, efecto que reproduce la naturaleza, como pasa con las Ranas de Barro de Yaxchilán. Estas flautas, producidas en barro y con formas antropomorfas, y de las cuales han derivado las ocarinas, son apropiadas para ser tocadas rítmicamente, con sonidos solapados y entrecortados. En la actualidad grupos con reminiscencias étnicas la utilizan para añadir un toque de color, y efecto de la llamada de la
naturaleza, a su música.
Oriental. Una de las flautas produce una nota constante o pedal, que representa lo masculino, y la otra es melódica, tipo flauta dulce, y simboliza lo femenino. El aspecto característico del uso que añaden las tradiciones orientales en general, al tocar la flauta doble, es que esta es utilizada con la técnica de la respiración circular, hecho que permite hacerla sonar continuamente, durante tiempo ilimitado. Esto requiere un control avanzado de la técnica de la respiración circular, aspecto técnico utilizado por distintos músicos de instrumentos de viento que tocan
instrumentos como el didjeridú, la trompeta o el saxofón, dónde utilizamos distintos recursos (como la respiración diafragmática o de plexo, y circular), para utilizar la caja torácica a modo de la bolsa de aire de una gaita.
Kotamo
Fusión de tres instrumentos: Koto, tanpura y monocordio. Este excelente encuentro de instrumentos de cuerda del mundo, hacen que el kotamo sea uno de los instrumentos más útiles en el campo de la musicoterapia. Consiste de estos tres instrumentos unidos en una misma caja de resonancia y puede estar construido con distintos materiales. Su tamaño, y la disposición de cada instrumento dentro del kotamo, permiten que pueda ser tocado de 1 a 3 personas al mismo tiempo.
Por un lado tenemos el monocordio, instrumento inventado por Pitágoras, compuesto por un número variable de cuerdas afinadas al mismo tono: Esto produce que todas las cuerdas entren en resonancia con solo tocar una, haciendo desprender gran cantidad de sonidos armónicos, ubicados a lo largo de las cuerdas. Al tocarlo deslizando los dedos por encima de las cuerdas creamos una atmósfera ligera pero infinita, que produce un efecto armonizante. Este efecto lo podemos apreciar corporalmente en la versión “cama” o “silla” con monocordio, donde nos incorporamos sobre la caja de resonancia del instrumento. Y por el otro lado tenemos la tampura o tamboura, que es el instrumento hindú de acompañamiento por excelencia, de 4 o 5 cuerdas
según sea hembra o macho. Proporciona una base sólida y expansible a cualquier estructura musical, y con la cantidad de sonidos armónicos que desprende, la hacen optima para ser tocada con otros instrumentos ricos en armónicos como el didjeridú, la tabla, el sitar o el koto, el otro instrumento componente del kotamo. El koto, situado en la misma cara, al lado de la tampura, es un arpa tradicional japonesa, que puede ser tocada percutiendo las cuerdas con sticks o pinzándolas con los dedos. Es la parte melódica que completa esta formidable trilogía.
Didjeridú/didgeridoo
El ancestral instrumento de los aborígenes australianos, el didjeridú (originariamente llamado yrdaki), es bién conocido por sus connotaciones arcaicas y usos rituales. Con el sonido grave y constante junto a la riqueza de armónicos que se desprenden, en el latir y la profundidad del didjeridú, nos daremos cuenta de que nos encontramos ante un instrumento insólito por sus cualidades, complejo y al mismo tiempo muy símple.
Ya en tiempos remotos los aborigenes hacian uso de la propiedades del didjeridú, como símbolo cultural e identificativo de su procedéncia, para ritualizar, en distintos contextos, las bases de su existéncia. Usado ancestralmente como objeto de mimetización teatral con el entorno, como acompañamiento de la voz y también como instrumento solista. Dentro de los clanes aborigenes, y todavía hoy en día, denota distinción en el rango o casta de las capacidades del músico que lo toca. Generación tras generación es transmitido un sistema propio de ser tocados por los clanes en cuya procedéncia tiene sus origenes el didjeridú, en el Noreste de Arnemland (Territorio del Norte, Australia). Estos remíten físicamente el sonido, de padres a hijos, de maestro a alumno, con tal de transmitir el conocimiento en las complejas técnicas utilizadas para tocarlo.
Las connotaciones arcaicas y el característico sonido del didjeridú lo convierten en un instrumento óptimo para la musicoterápia; tanto para el que toca, que puede utilizarlo como instrumento para guiar sus meditaciones, por el echo de que tenemos que observar constantemente el sistema respiratorio, como para el que escucha. Podemos inducir a estados de relajación profunda, al mismo tiempo que guiámos el viage y sus dinámicas a través del ritmo y la respiración, pudiéndo utilizar el sonido para masajear el cuerpo de un paciente a nivel físico y energetico, desbloqueando tensiones musculares, contribuyendo positivamente a la reparación de fracturas oseas y aumentando el nivel de antropía en el cuerpo.
Hang
Este “platillo volante” suizo, de la serie Pang, perteneciente a la casa PanArt, no deja indiferente a nadie de los que escuchan su sonido. Es un instrumento de percusión metálico, a modo del clásico steeldrum caribeño, pero invertido y con doble chapa, a ser tocado con las manos, pudiendo ser apoyado en las piernas (sentados), o con un soporte. Al estar cerrado con esta doble chapa, con una apertura central en la parte inferior, disponemos de un sonido con muchos bajos al golpear con la palma en la parte central. Su fascinante concepción sónica, que nos
remite a la calidez de la música caribeña, con un toque innovador e incluso futurista, de seguro que hará que el hang gane terreno en los campos de las nuevas músicas.
Gong Sinfónico
Si queremos hablar del gong sinfónico, indiscutiblemente tendremos que fijarnos en los creadores de éste: Paiste. Está casa alemana especializada en instrumentos de percusión (en especial metales), hizo en su momento un riguroso estudio de trabajo de campo, contrastando y aprendiendo de las distintas culturas del Sur Este Asiático que usan el gong desde hace 4000 años. No obstante podemos encontrar de distintos tipos según su procedencia.
Al arte de confección de un gong, sabiduría transmitida de generación en generación a lo largo de los tiempos, se le ha atribuido poderes mágicos, y solo algunas familias sabían como hacerlos. Una secreta aleación de metales, junto con multitud de “golpes” (esparcidos de una forma muy concreta alrededor del centro del gong), proveen al gong sinfónico de posibilidades
ilimitadas, por su especial timbre armónico, característica sensibilidad de vibración, al mismo tiempo que un fuerte y poderoso sonido.
Su uso ha ido ritualizado des de los inicios, hasta hoy en día: Utilizado para ritos en momentos de traspaso como funerales o celebraciones, teatro, música, con un fuerte significando para las
culturas asiáticas, dónde hoy en día la alta cultura lo utiliza cómo instrumento de orquestra. También se usa en las orquestras europeas desde 1970, cuando grupos pertenecientes a la psicodélia, como los Pink Floyd, también lo incorporaron en sus trabajos.
Actualmente también se utiliza como instrumento en el campo de la musicoterápia, por el fuerte efecto que ejerce sobre la mente y el cuerpo. En la metodología desarrollada por el psiquiatra alemán Peter Hess, El Ritual del Gong, el gong, junto con el monocordio, la tampura, la tabla, el didjeridú, y la percusión oceánica, nos permite acceder a niveles profundos de la conciencia, reviviendo recuerdos asociados con las matrices perinatales: Primeras fases de la existencia en el utero materno y proceso de parto. Es un instrumento muy útil en el campo de la meditación, ya que su sonido provoca un estado modificado de la conciencia instantáneo; no obstante, por esta misma razón, y para que el uso sea terapéutico, deberá ser usado en un marco controlado, con finalidades terapéuticas, y que permita integrar la experiencia vivida.
Sansula
Nuevo instrumento, rediseñado por Hokema, a partir del instrumento tradicional africano kalimba o embira. Este tipo de metalófono de mano, a diferencia del africano que utiliza un coco como caja de resonancia, sujeta el piezo encima de un parche sintético, y deja al descubierto la parte inferior. Tiene un sonido muy claro y definido, metálico y con muchos armónicos. Es un instrumento muy sensible al tacto y hace difícil para el que escucha, ubicar la procedencia del sonido, haciendo posible crear atmósferas y efectos, además de melodías, y, al poderse abrir y cerrar el espacio de resonancia, permite crear efectos de wha-wha. Posee un sonido cálido y agradable, con recuerdos de cajita de música, evocador de maternidad, dulzura y ternura, haciéndolo un instrumento óptimo para completar procesos de trance, y las fases de integración de estos.
Joel Olivé
Another fine CD by one of the current batch of groups from Mongolia. It features the marvellous khöömii of Amra (Amartuwshin Baasadorj) on at least five of the pieces. Finely recorded the Cd is a mix of traditional arrangements and contemporary compositions performed by Tume (Tumenbayar Migdory) on Morin Khuur & vocals, Tunuruu (Tumursaihan Yanlav) Morin khuur, aman khuur & vocals, Uugan (Uuganbaatar Tsend-Ochir) Ih Khuur, Boogi (Batbold Wandansenge) percussion, denshig, vocals and Saran (Sarangerel Tserevsamba) yoochin & vocals.
1. Hartai sarlag Traditional - arranged by Tumenbayar Migdori - solo khöömii vocals by Amra and solo vocals by Boogi
This song is inspired by an old melody of Durvud minority from the western region of Mongolia. It's used on the pastures as a calming song for yaks.
2. Uils dundaa sain Traditional - text and arrangement by Tumenbayar Migdorj - solo vocals by Amra, Boogi, Saran and Tummu
This is a folk song about the risks of alcohol. When alcohol remains in the bottle, there is calm, but when it is out of the bottle, there is a fiestiness. It is heard in toasts: Alcohol should only be used for the good things in life!
3. Yamaanii boodog Composed by Hangal - text by Amartuwshin Baasandorj - arranged by Uuganbaatar Tsend-Ochir - solo khöömii vocals by Amra
The “goat stone roast” is a Mongolian meat dish prepared for special occasions such as celebrations and long trips through the nature. During one such trip, the composer Hangal had the idea for this music. How to prepare “Yamaanii boodog”: The goat will be slaughtered, the head cut off, the innards will be taken out through the neck and seasoned with salt, onions and herbs. The goat will then be stuffed with this mixture and hot stones and grilled. Enjoy!
4. Han huhiin uuland Composed by Sharav and Mend-Amar - text and.arrangement by Tumenboyar Migdorj solo khöömii vocals by Amra and solo vocals by Boogi
This song is about Han Huhii mountains extend in the eastern area of Mongolia. The first part of this song, an instrumental by Mongolian composers Sharav and Mend-Amar, was originally written for flute. Egschiglen has re-arranged this song for traditional Mongolian instruments and the flute has been replaced by the khöömii.
5. Talin salhi Composed by Isao Tomita - text by Choinom - arranged by Tumenbayar Migdorj - solo khöömii vocals by Amra and solo female vocals by Saran
Egschiglen improvises from a Japanese melody with poems by a Mongolian poet. The song tells about several incidents in the 12th and 13th centuries during the period of Gengis Khans, who drastically altered the world of that time.
6. Mandluhai Composed by Janzannorov - text and arrangement by Tumenboyar Migdorj solo vocals by Amra, Boogi and Tummu.
This melody goes back to the Mongolian composer Janzannorov who studied in Kiev and Ulaan Bataar. Janzannorov is one of the most famous exponents of' Mongolian contemporary music. To date, he has composed more than 200 pieces for theatre and cinema. He is a contemporary and teacher of Egschiglen.
7. Herlengiin barya Traditional - arranged by Tumursahain solo morfin khuur by Tumruu.
This piece is inspired by the traditional “Long songs” (urtyn duu) known throughout Central Asia. These songs are extremley slow, serious and sad. Tumruu follows with his morin khuur the endless streaming river Herlen in the central east part of Mongolia.
8. Haramgui Composed, text and arrangement, solo khöömii vocals and moriin khuur by Amartuwshin Baasandorj
This song is a khöömii vocal improvisation. It's vocal style also called throat singing of diphonic singing. The vocalist Amra modulates between different techniques of this style requiring a complex interplay of abdominal breast and body breathing, of vocal cords, glottis and throat, of tongue, lips and oral cavity.
9. Setgeliin egshig Composed by Sharav - arranged by Uunganbaatar Tsend-Ochir.
This instrumental piece goes back to the early 1970 and is one of the first compositions of Mongolian modern classic music.
10. Morin khuur konzert Composed by Hangal - arranged by Tumenbayar Migdorj - solo moin khuur by Tume.
In the 1980's compositions for morin khuur and classical western instruments were written for the first time. Mongolian composer Hangal contributed many works during that time renewal, for the first time since the time of Gengis Khan, classical Mongolian music. Hangal studied at the music conservatory of Alma Ata and Svedolovsk. He received the most honoured and important art award of the Mongolian republic, the “Turin soerhol". His “Moriin khuur konzert" marked one of the most important turning points in Mongolian music history. This work has been re-arranged by Egschiglen for exclusivley traditional Mongolian instruments (morin khuur solo, morin khuur, yoochin, percussion, ih khuur).
11. Elstiin ganga Traditional - text and arrangements by Tumenboyar Migdorj - solo vocals by Amra, Boogi, Tume and Tummu
This melody is inspired by a folk song from the Darhad minority from the northern part of Mongolia.
12. Yan Tai Wan Göögöö Traditional - arranged by Tumenbayar Migdori - solo vocals by Saran
This love song is dedicated to a man called Yan Tai Wan Göögöö.
13. Builgan shar Traditional - arranged by Tumenbayar Migdorj
This composition is an allusion to the endless width of the landscapes of the Gobi desert and the camel herds which cross it. It is based on the traditional folk music the Gobi, homeland of the musicians Saran and Uugan.
Magic Sounds is an ambient organic album - a calming and predominantly vocal CD featuring the mesmerizing harmonic tones of Dean Frenkel and the hauntingly ethereal voice of Linda Laasi. It is an album of minimalist music which emphasizes the tonal qualities of the human voice.
Magic Sounds is about ancient therapeutic sounds of vocal harmonics; sounds of the environment which are in effect mesmerizing, soothing and can assist the letting go of tension. It has been used for millennia to calm herding animals in Mongolia, Tuva and Sardinia Musically it traverses across many music genres - meditation, ambient, chill-out, fine world, soundtrack, spiritual (non-religious) and contemporary choral music. It is a music journey of sacred sounds, uplifting soundscapes and original composition. It features vocal instrumentation, an approach to singing which far pre-dates songs. The concept for this unique album began ten years ago when Dean and Linda found ways of using voice to calm their young baby.
Though initially intended as a baby-calming album, it evolved into a people-calming album which also calms babies. Aware that music for babies can be be unsettling for everyone else, Magic Sounds is both gentle and powerful, and musically interesting. In Mongolia, Tuva and other traditional herding cultures harmonic throat singing has been used for thousands of years to settle animals after being disturbed by predators - much like modern day horse whisperers. Given that many animals have short term memories, much like babies, harmonics can help them forget about what disturbed them in the first place.
This surprising album addresses the following questions: Can sound actually be therapeutic? Can a therapeutic cd contain enough musical edge to be musically interesting? Can it feel spiritual without being religious? Can an ambient cd also be organic and based around voice without the singing of one word?
Dean Frenkel broke the Guinness world record for the longest continuous vocal note (57secs) on Enough Rope with Andrew Denton. Linda Laasi won an ARIA award for her vocal contribution to Paul Kelly's soundtrack to feature film 'Jindabyne'. Together they have created music for many spheres, inner and outer. They have also created a mini children's meditation storybook called 'The Magic Sounds of KahMing' which is an added extra with Magic Sounds.
Dean Frenkel and Linda Laasi
Magic Sounds
© 2008 Dean Frenkel and Linda Laasi (9314574037326) (format: CD-R)
CD price: $20.00
1 Northern Dreams
2 Magic Sounds
3 Moon Bear Mantra
4 Australian Soundscapes
5 Crystal Temple
6 Short Song
7 Night Lights and Whale Callers
8 Space in Timelessness
9 Rain Chant
10 Watery World
11 Sleeping Caves
12 Southern Dreams
Dean Frenkel - Harmonic vocalist, recording artist, performer, improviser, composer, instructer, clinical hypnotherapist, author, Guinness World Record Holder for the longest continuous vocal note.
Linda Laasi - Adelaide born vocalist trained in classical, jazz, Asian and Eastern European ethnic music. Improviser of soundscapes, composer and visual artist. ARIA Award Winner for her contribution to the soundtrack of Australian feature film ‘Jindabyne’.
Dear OMN community,
I'm happy to announce that my book "On the Physiology of Voice Production in South-Siberian Throat Singing – Analysis of Acoustic and Electrophysiological Evidences" is out now.
It took me really a long while . I actually started working on it in 2000 as my PhD project. Then of course - as many of you perhaps also know - there came other jobs, duties, projects. And finally I had to rush since in order to get a particular job I needed to finish and submit. This was in May 2005. And then after defense and other projects I finally thought about turning it into a real book, rather than publishing online. The formating along the way took me almost another year. Now it's done. I'm happy about this fact but not too much about the book itself. There are still a lot of things remaining which should have gone into it.
So please don't be too disappointed.
Many thanks also to Wolfgang: he pointed out to me that the book is also available at amazon.de. But you could also order it via the publisher Frank&Timme.
All but toothless
A virtual jaw harp orchestra challenges the dominance of guitars. Here's to musical diversity!
Starting from the city jungle of Vienna, the LOOPING jaw harp orchestra has set out to discover unexplored musical regions. Elephant Road, off the beaten track, directly leads to the habitats of rare musical instruments. Three dozen of jaw harps and percussion are a good substrate on which steel pans, saxophones, marimba, trumpets and many other instruments may flourish. Powerful and vigorous, the LOOPING jaw harp orchestra still does not neglect the tender young leaves and bizarre creatures in the jungle of music.
Release date: Oct. 2009.
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Maultrommeln mit Biss!
Ein virtuelles Maultrommel-Orchester zeigt dem Gitarren-Monopol die Zähne. Es lebe die musikalische Abwechslung!
Mitten aus dem Großstadtdschungel ist das LOOPING jaw harp orchestra aufgebrochen, um unerforschte musikalische Biotope zu entdecken. Die Elephant Road führt fernab der ausgetretenen Trampelpfade geradewegs in die Lebensräume seltener Musikinstrumente. Drei Dutzend Maultrommeln (jaw harps) und Percussion bilden den Untergrund. Darauf gedeihen Steeldrums, Saxophone, Marimba, Trompete und zahlreiche andere Instrumente ganz prächtig. Das LOOPING jaw harp orchestra gibt kräftig Stoff, erforscht aber auch die zarten und die skurrilen Pflänzlein des Musikdschungels.
Ab 2.10.2009 im Handel
I am very happy to announce a new release called "Elementals" on the Stasisfield netlabel. John Kannenberg has done the beautiful job of design, packaging and presentation that Statisfield followers have come to expect, and I am grateful to part of his roster.In John's words:"Peterborough, New Hampshire's Dave Seidel offers a microtonal ode to the four primal elements. Water, fire, earth and air are represented here by elegant synthetic sounds and digitally manipulated field recordings. Working primarily in Csound, Seidel sculpts swathing drones and digital flutters into monolithic representations of his natural subjects. Technicians will undoubtedly consult Seidel's notes included in the album's digital packaging as well as the more extensive essays on his personal website for details of these tracks' construction, while aesthetes will simply lose themselves in their overwhelming beauty."
This is a nice way to realize a simple moveable larynx.
I use this model on my workshops to explain clearly some larynx movements.
Look at this video.
You can download the pdf directions here.
Thanks to Vocal Process.
